El Angel Exterminador

Tìtulo Original: El Ángel Exterminador

Director: Luis Buñuel

Productor: Gustavo Alatriste

Género: Drama Surrealista

País: México

Año: 1962

Reparto: Silvia Pinal, Claudio Brook, Enrique Rambal, José Baviera, Augusto Benedico, Luis Beristáin, Jacqueline Andere, Antonio Bravo, César del Campo, Enrique García Alvarez, Tito Junco, Ofelia Guilmáin, Lucy Gallardo, Rosa Elena Durgel. (y un jovensìsimo Eric del Castillo en un papelito chafa)

Pues es un placer para mí inaugurar mi participación en este blog de cine, y que mejor manera de hacerlo que con esta brillante obra.

Protagonizada por Silvia Pinal, (Viridiana, 1961; Simón del Desierto, 1965), producida por Gustavo Alatriste (Viridiana, 1961; Simòn del Desierto, 1965) y dirigida por el genial Luis Buñuel (Viridiana, 1961; Simòn del Desierto, 1965), fue la segunda de una serie de tres películas realizada por este trinomio del cine en español. La cinta aparece en la lista de “Las Mejores 100 películas del cine mexicano” y en “Las 1,000 Mejores Películas del Mundo”.

Al interior de una mansión, un grupo de amigos ricachones se reúnen a cenar después de haber asistido a la opera. Justo antes de llegar éstos a la casa, toda la servidumbre siente súbitas ganas de abandonar el lugar, y lo hace, con excepción del mayordomo, quien permanece impávido en la cena, fiel a los patrones, y haciéndose cargo de todo el servicio durante el evento.

El opíparo festín es llevado a cabo con derroche de recursos, y al final de la velada se trasladan todos a un saloncito, donde una de las invitadas toca sonatas en un piano. Todo transcurre sin contratiempos, hasta que el primero de ellos anuncia su retirada; y es aquí que comienza el meollo del asunto. Por tales y cuales circunstancias, nadie se va a su casa, y se quedan a dormir en el salón, incluyendo a los anfitriones; y es hasta el día siguiente, cuando se dan cuenta que a pesar de la voluntad de hacerlo, nadie puede abandonar el salón sin que exista una razón lógica que lo impida.

Pero si algo falta en esta cinta son razones lógicas para cualquier cosa. No en vano Buñuel es el más grande exponente del surrealismo; y así, lo mismo encontramos un oso como mascota en la mansión, que un rebaño de borregos deambulando por el comedor. Buñuel siempre evadió cualquier explicación respecto al oso, los borregos o la cinta, negando que fuera de temática religiosa, social o nacionalista. Hombre de grandes contradicciones, como todos los genios, Buñuel fue un asceta declarado, escéptico, ateo y amante de los burdeles; por lo que pudiera pensarse que ésta es una crítica a la burguesía y a sus excesivos modos.

La elegancia de los invitados poco a poco desaparece al escasear el agua y los alimentos. El hacinamiento se hace presente, y ante la falta de medicamentos, algunos caen enfermos. Celos, envidias, fecalismo de interiores, un hermano castrante y la masacre de los inexplicables y asustados borregos conforman las vivencias de esta pléyade de aristócratas que pierden todo rasgo de humanidad al encontrarse encerrados en una pequeña área con seres humanos a los que desprecian casi tanto como a sí mismos.

En cuanto a la técnica, hay un elemento a destacar que es la repetición de la misma escena en distinto momento a lo largo de la trama. (pequeño homenaje al principio del post con las referencias de actriz, director y productor) Vemos a los invitados entrar a la casa dos veces, el brindis se hace en el mismo número de ocasiones, y los criados se dan a la fuga también repetidamente. Incluso, en algunas versiones editadas posteriormente, estas escenas se han eliminado al considerar que se trata de un error de edición. El recurso ha sido utilizado posteriormente por Brian de Palma y Quentin Tarantino.

La situación se repite en el exterior. Los criados, la policía y los familiares de los invitados no pueden ingresar a la casa para averiguar que es lo que sucede porque una fuerza ilógica se los impide. El grupo de adentro se encuentra en crisis, y la solución corre a cargo de Leticia La Walkiria, personaje de la Pinal; quien argumenta que el encanto en el que se encuentran sólo se romperá si vuelven todos a la posición y actitud exactas del momento en que comenzó el hechizo. Y en efecto, al asumir todos la posición mencionada, pueden salir sin problemas.

Inmediatamente, y después de haberse comportado como verdaderos salvajes, organizan una misa para agradecer que su problema se haya resuelto. Desafortunadamente, ocurre lo mismo al interior de la iglesia, esta vez con cientos de personas. Es evidente el asco que sienten los aristócratas al imaginarse encerrados con la multitud de pobres que abarrotaban la iglesia. La película termina con un rebaño de borregos que se dirigen al interior del templo.

Personalmente considero que la intención de Buñuel no era realizar una crítica a la burguesía de la época, ya que incluso el mismo director se mostró desdeñoso al tener que realizar la película en México, con poco presupuesto, y con recursos de mala calidad. Anteriormente, en “Viridiana” pareciese que los satanizados son los miserables en vez de los poderosos, y dada la total indiferencia del español por la política, a pesar de ser un rebelde nato, es más probable que pudiera interpretarse como una alusión a la hipocresía en general del ser humano, (incluyendo la del propio Luis Buñuel) y no a la de algún grupo social en particular.

Como nota al margen, quisiera comentar que Silvia Pinal pudo haber hecho una maravillosa carrera en el cine, a la altura de la de la hermosísima Catherine Deneuve, pero por alguna extraña razón la abandonó en una mala catafixia por el melodrama casero.

El Increíble Castillo Vagabundo

Título original: Howl's Moving Castle.
Director y productor: Hayao Mizayaki.
Género: Animación Japonesa.
País y año: Japón, 2004.

Es increíble que después de tan poco tiempo del Viaje de Chihiro, Mizayaki, nos sorprenda con esta animación completamente diferente y nueva.
Se plantea el mundo ficticio de Sophie, una chica que trabaja en el taller de su fallecido padre. Es ahí cuando recibe la maldición de una bruja, que sueña con quedarse para siempre con el corazón del mago Haouru, quién Sophie conoce. La maldición que cae sobre ella, le aumenta tantos años, hasta quedar de una viejecilla de 90 años, tampoco puede decir nada sobre ello, ya que se muerde la lengua antes de poder decirlo.
Sophie va en busca de la bruja que la maldijo, para encontrarse con el castillo Vagabundo, propiedad de Haouru, encontrando ahí mismo, un demonio: Calucifer o demonio fuego, quién es el protector de Haouru.
Empieza una guerra, a la que el gobierno del país, llama a todos los magos y brujas a ayudar a su país, pero Haouru rechaza la invitación obligatoria, convirtiéndose en un fugitivo real.
Sophie, lo quiere salvar, pero en el intento, la bruja que la maldijo, ahora ya está convertida en una anciana inofensiva, apaga a Calucifer.
Pasado el tiempo, Haouru, prende de nuevo a Calucifer, y lo deja libre, dejando así de ser inmortal.
Reconstruyen el Castillo Vagabundo, que fue destruido en la guerra, y Sophie y Haouru viven felices, un romance avecinado, pero no tan importante como en películas occidentales.

Mizayaki, bueno, es un maestro de la animación japonesa.
La película tiene tantos matices, que a veces llega a ser una película casi incomprensible.
Los personajes, te atrapan, Sophie, es la heroína, a pesar de tener una maldición que la hizo muy anciana, y de ser mortal en un submundo de magos y brujas, salva a Haouru, se libera ella de la maldición, y hace feliz a un mago, cosa que los Dioses, siempre le van a agradecer.
Haouru, el mago, es en parte el antagónico, y en parte el héroe de la película, lo puedes amar por minutos, así como lo puedes odiar, por ser a veces tonto. Calucifer, es increíble, la herramienta central del Castillo Vagabundo, el SuperYo de Haouru.
En el Castillo Vagabundo, todo es magia, todo es realidad transformada en sueño.
Y hasta ahora, no he encontrado a alguien que la haya visto y tenga un comentario negativo sobre ella...


Calificación: 5 Estrellas.

El Asesinato de John Lennon

Título original: "Chapter 27"
Actores: Jared Leto, Lindsay Lohan.
Director: J.P. Schaefer.
Género: Biopic, De arte
País y año: EUA 2007.



Esta película fue muy criticada desde antes de su estreno, por una parte, los fans de Lennon se sentían ofendidos por que tenían la idea de que este filme "justificaría" a Marck David Chapman y lo humanizaría ante nuestros ojos, por otro lado, tenían la firme creencia de que ya todo estaba dicho en relación a ese caso.

Yo puedo declarar con orgullo que sabía nada o casi nada sobre el asunto. Si bien nunca me ha importado mucho la vida obra y muerte de Lennon, sé quien fue y el ícono que es, al igual, sabía sobre Chapman y el repudio obtenido por el mundo a raiz de esa fatídica noche en el Hotel Dakota. Por esto mismo, me dispuse a ver esta película, pues no contaba con referencias previas ni tampoco con ideas preconcebidas en contra del asesino, en pocas palabras, creí que disfrutaría de la pelicula, pero no.

La película dura una hora con cuarenta, pero te da la impresión de que dura años, es pesada, con atmosferas grises. Logra captar la atmósfera de los 70's y es agradable mirar el mítico Edificio Dakota (En el cual, según se dice, sus habitantes adoraban al diablo, y fue escenario de la película de Roman Polansky "El bebé de Rosemary") Jared Leto hace un papel excelente, se interna en la psique de Chapman, pero no sale bien librado... y para darle mas realismo al personaje, se atrevió a subír 30 kilos, lo cual deja en claro que Leto es uno de los mejores actores de su generación. Lindsay Lohan es la única que llega a refrescar por momentos la película, el entusiasmo con el que encarna a una fanática de Lennon es una tabla de salvación para soportar la película.

Como bien les decía, yo nunca conocí a este infame personaje, ni jamás me llamó la atención como asesino (y miren que los "motivos" siempre me han cautivado). Pero creo que es el asesino más gris que he conocido. Enloquecido por la soledad y el rechazo, fanatico de "El guardían del centeno" y convencido de que el es el mensajero de la voluntad de Dios, no logra llenar mis espectativas en cuanto a lo que un asesino debe representar. Vamos, que no es un Charles Manson, ni un Ted Bundy... es más, se me ocurre que Yolanda Saldivar (la asesina de Selena) es un personaje mas complejo que Chapman. Me encantaría profundizar en cuanto a su personalidad, pero la falta de ella me lo impide.

Chapman es mucho ruido para tan poca nuez. Si no hubiera matado a Lennon, estaría atendiendo el supercito de la cuadra. Si tienes la opción de ver otra película, hazlo.




Calificación: 1 estrella.

Hermanas gemelas (Twin Sister´s)

Filme holándes nominado al premio oscar por mejor película extranjera en el 2003, cuenta la historia de dos gemelas que hasta los seis años han vivido una a ras de la otra, y ante la muerte de sus progenitores, son separadas para vivir en hogares de familiares de clases y condiciones abismalmente diferentes. La una con sus tíos en una granja en Alemania, críada y tratada como sirvienta, la otra educada a la manera burguesa de su época. Pero tratando de superar la tristeza por medio de ensoñaciones y cartas que nunca llegan a sus respectivos destinatarios, llegaran a reencontrarse para nuevamente separarse. En el desarrollo de la trama se sucede la Segunda Guerra Mundial, lo cual afecta a todos los involucrados cambiandoles la vida para siempre. Las circunstancias sociales, las ideologías contrastantes y los destinos tragicos, aunque con final levemente esperanzador, envuelven ajenas a sus deseos a los dos personajes centrales, Anna y Lotte, cuyo mayor anhelo fue siempre estar juntas, rememorando sus felices infancias y compartirse sus mayores secretos.

El director Ben Sombogaart, recrea una Alemania de finales de los años veinte, treinta y principios de los cuarenta, enmarcada por el ascenso del partido nacionalsocialista, en donde los paisajes, los vestuarios, la música y la fotografía estan cuasi monocromáticas, en azul, blanco y gris pálidos (referente importante de una etapa otoñal de la paz y la inocencia en general) cuya construcción filmica de la historia queda representada en el presente, con las hermanas ya ancianas, y en el pasado, desde su infancia hasta su edad adulta. Va mostrando poco a poco, personajes secundarios y sucesos politicos que contribuyen a dar mayor complejidad y capas de emotividad al filme, como a manera de viñetas, permitiendo encontrar, no sin reflexionar, el hilo conductor de la trama, reducido a un simple y sencillo sentimiento: el amor fraternal. En suma es un drama histórico, honesto y hermoso, pese a un final tendenciosamente patético. Ampliamente recomendable.

Wall-E

Wall-E

Titulo Original: Wall-E
Genero Ciencia Ficción
País y Año: Estados Unidos / 2008
Con: Fred Willard, Jeff Garlin, Ben Burtt
Director y Guión: Andrew Stanton
Productor: Jim Morris y Lindsey Collins
Musica: Tomas Newman

En esta ocasión hablaremos de la nueva película de Disney-Pixar, que de hecho es su última co-producción, luego de buscando a Nemo, Los Increíbles, Cars, etc. La historia nos habla de un robot compactador de basura que se ha quedado solo en la tierra para limpiar los desperdicios que han dejado los seres humanos, día tras día se la pasa apilando los desperdicios que encuentra a su paso. Dentro de esa monotonía solo tiene como acompañante a una cucaracha que es como su mascota. Un día de tantos una nave llega al planeta tierra que, aparte de ser un basurero, es un lugar árido de donde baja una robot llamado EVA buscando algo que hará que cambie el rumbo de la existencia de wall-e y de la humanidad misma.

Es importante mencionar como la película tiene un dialogo escaso pero que es compensada con las imágenes que realmente son innovadoras, yo de verdad no creía eso de que cuando la vez se te olvida que es una película de animada pero cuenta con algunas imágenes de personas reales mezcladas con la animación, pero la verdad es que si, también hace criticas hacia el consumismo desmedido y como los seres humanos son una raza bastante floja y descuidad. La música esta a cargo de Tomas Newman que de verdad hace un muy buen trabajo capturando la esencia del film.

Lejos de ser una película para niños nos permite reflexionar en como la contaminación puede dejarnos sin un hogar.

Todo hubiera estado mejor si cuando fui a verla al cine no hubiera estado un señor con su hijo platicándole la película y eso que estaba en español la hubiera disfrutado aun mejor.

Calificación: 5 estrellas

Mi vida sin mí

Título original: "My life without me"
Actores: Sarah Polley, Scott Speedman, Mark Ruffalo, Leonor Watling, Deborah Harry, Amanda Plummer, María de Medeiros.
Directora: Isabel Coixet
Género: Drama.
País y año: España-Canada 2003




¿Que sucedería si a los 23 años te enteras que estas invadido de cáncer y te quedan pocos meses de vida? Suena aterrador. Ann (Sarah Polley) se entera de ello y se da cuenta que tiene dos caminos: vívír el poco tiempo que le queda medicada, en visitas a hospitales y dejandole una imagen de mujer enferma a sus hijas y su marido u ocultar la verdad lo más que pueda y vivír en ese poco tiempo lo que ella misma se negó, para asi no sentír que su vida fue en vano, y a pesar de que su vida no es inspiradora (tiene un esposo que no encuentra trabajo pero la ayuda a las tareas del hogar y con sus hijas, su madre detesta al mundo, su padre esta recluido desde hace 10 años, su mejor amiga solo le habla de dietas...) Ann se aferra a su deseo de descubrir esos pequeños placeres en el poco tiempo que le queda.

Resulta inspirador ver una película así... pone todo en perspectiva. Los dramas de la vida diaria palidecen ante una situación como la que vive nuestra protagonista y es inevitable pensar en que toda nuestra vida depende de las decisiones que tomemos, pues es lo único de lo que somos dueños y lo único sobre lo que tenemos potestad, dependiendo de cada desición que se toma es el tamaño de la marca que dejamos en este mundo. Tampoco dejo de pensar que si en la historia Sarah hubiera dejado de luchar, esta hubiera sido una película digna del Hallmark Channel (Pero gracias a Isabel Coixet esto no fue así).

Cabe señalar que el trabajo de Leonor Watling, a pesar de ser actriz secundaria y tener muy pocasa escenas, es algo digno de observar, pues hace uso de su encantadora personalidad y gracias a ello, el público quede enganchado de su personaje, así como el de Deborah Harry (Blondie) como la madre de Sarah... un personaje tan humano y tan amargado que no puedes hacer otra cosa si no amarla. Mark Ruffalo ¿que decir de su personaje? es tocado por Ann y sufre una metamorfosis express.

Sin más, es imprescindible tenerla en el videoteca.

Calificación: 5 estrellas

Water (agua)

Título original:Water
País de origen: Cánada-Francia
Año: 2004
Dir.: Metha Deepha
Actores:Seema Biswas, Lisa Ray, John Abraham, Sarala

La cinta narra la historia de las mujeres viudas en la India Colonial, en la década de los 30´s y principios de los 40´s, que recluidas en un refugio de carácter espiritual, viven excluidas del mundo, pidiendo limosna, orando y lavándose casi a diario en el río sagrado del Ganges para purificarse y acceder al final de sus días a los pies de los dioses en sus templos en el Cielo. paralelo a ello, se observa la mesquindad de una sociedad machista y la crueldad de las tradiciones, que en la interpretación de los texto de Manú, privilegian a unas castas y desheredan a otras tantas. Agua, en su traducción literal, simboliza al río, a la purificación del alma, la trasparencia y la inocencia de quienes en contra de su voluntad y aceptando el sino, se retraen de la sociedad, pero también representa los siglos de historia marcados por la religiosidad ortodoxa y la ignominiosa situación a la que se sujetan los descastados, las mujeres y los más pobres de entre los pobres, que no deben, so pena de repudio, ni tocar con su sombra a los verdaderos hombres y mujeres herederos de la gracia de Krishna, Siva o Visnu.





La historia inicia con el matrimonio acordado, jamás consumado, porque el susodicho fallece, de una pequeña de once años, que en contra de su voluntad y cumpliendo con las leyes de Manú (que abarca tres aspectos para las viudas: morir quemadas vivas junto al marido, si la familia lo permite, casarse con el hermano menor del difunto o bien recluirse a contracorriente de la voluntad en un refugio espiritual para las de su condición)es obligada por su padre a permanecer en un ashram o casa de asistencia para viudas. Con la inocencia característica de quien no sabe lo que acontece en el mundo del hombre, Chuyia, rebelde e inquieta , trasgrede etéreamente las normas del ashram y cambia la vida de las mujeres, en especial de Chakuntala, devota, protectora y reprimida y de Kalyani, joven, hermosa e idealista, que en aras de la sobrevivencia de la miseria de las de su comunidad es ofrecida como esclava sexual a los brahamanes. Las tres representan el eje argumental en que se apoya temáticamente la trama. la pequeña es el punto de equilibrio para Chakuntala, quien abnegada, aún transpira el deseo de la plenitud como mujer y toma a Chuyia como una hija a la cual dirigir y proteger, al grado de romper la tradición al liberarla en manos del romántico Narayan, seguidor de Gandhi, quien se enamora de Kalyani, en una breve pero intensa historia de amor, con sacrificio incluido, que remite al título de la cinta, como única salida para la tristeza e injusticia de éstas mujeres, enmarcadas poéticamente en los preciosos paisajes urbanos y naturales pero con connotaciones sociales, económicas y cultural fuertes.





Cabe mencionar, los altibajos en la producción de la película, pues grupos opositores incendiaron y amenazaron de muerte a la directora Deepha Metha, destruyendo en el proceso un set entero en Sri Lanka, por la historia y la forma de retratar las tradiciones religiosas en la India colonial y desafortunadamente moderna.